Susana Baca: lo "spirito vivo" del Perú  negro

"El Perú es música andina  e inclusive cuando  era niña no encontré nunca en la escuela un libro que hablara de la presencia nuestra, de los africanos".

Questa frase spiega il senso del lavoro dell'artista peruviana, non solo una musicista di talento ma anche una ricercatrice delle radici della cultura negra del Perú 

Susana Baca è nata nel quartiere di Chorillos, alla periferia di Lima, un posto nel quale hanno vissuto i discendenti degli schiavi africani fin dall'epoca della colonia. 
Fin da piccola ha vissuto in un ambiente ricco di stimoli musicali: il padre era un chitarrista, la madre una ballerina e le sue zie cantanti. Vicini di casa i fondatori del gruppo Perú Negro.

Cominciati gli studi di musica, ha formato un gruppo  sperimentale, che  "contaminava" la musica con la  poesia locale.

Per undici anni ha percorso con il marito, il sociologo Ricardo Pereira,  tutta la costa peruviana, raccogliendo testimonianze e documenti sulle espressioni artistiche dei discendenti africani. Il risultato di questo lavoro è stato pubblicato nel libro "Del fuego y del agua", del 1992. Tre anni più tardi la coppia ha fondato l'Instituto Negro Continuo per l'insegnamento e la preservazione della danza e della musica afroperuviane e permettere la formazione di nuovi artisti.

Nel 1995 la casa discografica Luaka Bop  pubblicò l'antologia musicale "El alma del Perú Negro", che fece conoscere a livello internazionale la voce e la capacità interpretativa di una cantante che è diventata la principale interprete della tradizione musicale afroperuviana. 

Dopo "Susana Baca" del 1998, in "Eco de sombras" compaiono, oltre agli strumenti musicali tradizionali, anche sonorità moderne con le interpretazioni di Marc Ribot (chitarra), Greg Cohen (contrabbasso) e John Medeski (piano e tastiera).

L'ultimo lavoro,"Espíritu Vivo",  arrivato in Europa in aprile, comprende una grande varietà di ritmi, attingendo a diverse tradizioni letterarie e musicali, trascendendo la tradizione della musica afroperuviana ed includendo "13 de Mayo" di Caetano Veloso, "Afro Blue" di Mongo Santamaría, "The Anchor Song" di Bjork  fino ad una propria versione di "Les feuilles mortes".  Un disco che riflette la stessa maniera di Susana Baca di intendere la musica: una fusione delle radici africane, di poesia e contemporaneità.

Premiata  molte volte per la sua attività di musicista e ricercatrice, Susana Baca è stata nominata "ambasciatrice di buona volontà" dell'Unesco ed ha collaborato con molte istituzioni culturali d'America e d'Europa.

"Siempre me pregunté qué sentido tiene la música en nuestra rutina diaria, con el canto uno se sobrepone a la pena y a la muerte". 

[Stella de Fanzago]

3 giugno 2002

por  Martín Armelino

Con dos discos en la calle y la reciente declaración por parte del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires como Ciudadano Ilustre, este legendario compositor sigue cantando y apostando por la música y el país.

Casi al mismo tiempo, Litto Nebbia editó Corazones & Sociedades, un disco con sus nuevas canciones, y un “grandes éxitos” titulado Celebración, cuyos temas Litto eligió personalmente, cubriendo su trayectoria entre 1965 y 1987.
Ya ciudadano ilustre de su Rosario natal, con este álbum Nebbia también celebra “estar en paz con lo que he venido trabajando en todos estos años, que me permite viajar y tocar en lugares donde me conocen por prestigio o historia, pero no soy local como en Argentina, y toco dos horas sin que nadie me pida un tema en especial porque ninguno es tan famoso, pero se entiende que hay una textura, un estilo en la forma de cantar e interpretar, que tiene que ver con algo que es de Argentina”.

– No es común que hayan salidos juntitos Celebración, con “grandes éxitos” y Corazones y sociedades con sus nuevas canciones.
– Es que así como sigo siendo aquel que a los 15 años comenzó a tocar con un grupo, que compuso canciones que se convirtieron en clásicos y demás, también soy un tipo en marcha, que sigue componiendo y tocando, con ganas de mostrar lo que hace, de innovar y meterme en cosas nuevas. Esto es al margen del gusto del público: puede ocurrir que un tema que escribí hace 20 años siga pegando en la gente mucho más que uno nuevo. Es que el público tiene un ritmo distinto del músico, que vive exclusivamente para y por la música y va armando una perspectiva de su vida que evoluciona todo el tiempo. También puede pasar que, masivamente, el público se prenda más con canciones que evocativamente le recuerdan momentos, lugares, sensaciones,... que son muy lindas pero externas al músico.

– Sus primeros pasos fueron dentro del rock. ¿Qué hizo que se alejara del género hacia lo que ligeramente podríamos llamar la canción?
– Es que como mis viejos son músicos, yo a los 8 años ya tocaba y viajaba con ellos. Eso me dio un poder de vocación y precocidad muy grande al punto que a los 20 años, cuando ya estaba en Los Gatos, me sentía con una base muy sólida sobre mis ideas estéticas y musicales, aunque me faltaba experimentación. Así que cuando comencé a componer y quise plasmar todo lo que me gustaba, allí estaban los Beatles, las cancioncitas de Gardel y Lepera, Miles Davis y John Coltrane, había  vivido el nacimiento de la bossa nova con Joao Gilberto y conocido personalmente a Tom Jobim a los 19 años en Brasil. Entonces, siempre pensé que lo que iba a desarrollar como músico y compositor iba a tener relación con una suerte de música universal, que hoy se la llama World Music y en el trayecto se la denominó “fusión”. Este manejo de las texturas de la música, sobre la base de un estilo que responda a mi idiosincrasia (cualquiera que me escucha en cualquier lado sabe que soy argentino, incluso si toco un blues), he tratado de incorporarlas a mis canciones. Siempre quise abarcar con mis composiciones un gran panorama musical, para escapar a la clasificación en géneros.

– ¿Qué continuidades y rupturas hay entre Celebración y Corazones & Sociedades?
– Ambos comparten un estilo: por ejemplo, la primera canción de Celebración, “Adiós, adiós amor” que grabé cuando tenía 7 años y mi madre guardó sabiamente, muestra que cantaba igual que ahora. Esto es estilo, no se compra, viene con vos de fábrica. Los cambios se deben a todo lo que vas sumando a lo largo de los años. Particularmente, en Corazones... me parece que hay un trabajo superior en los arreglos, en la forma de grabación, y es como la síntesis de un período de mi vida, de mi trabajo, de las cosas que me pasan y las que ocurren alrededor. Veo en este disco ritmos distintos, sin que por ello pierdan hilación los temas entre sí, y encuentro que en las letras hablo sobre mí, pero que se vinculan con lo que pasa en mi ciudad, en mi país, y eso puede repercutir en quien lo escuche.

– En sus letras menciona siempre los afectos y la importancia de las buenas relaciones personales familiares, de pareja, entre amigos, como también las cuestiones sociales, y siempre con una mirada esperanzadora, ¿encuentra en el amor la utopía de un mundo unido, fraterno y libre?
– La creencia mía, existencial, refiere a un pensamiento espiritual: que uno viene aquí y tiene que trabajar y esforzarse para de esa manera lograr ser cada vez un poco mejor como persona. Eso pienso de la vida. No ser un traidor, un envidioso, un desleal, un chanta... y necesito comunicarle esto al público. Cuando lo puedo hacer por medio de mis canciones, me siento bien, tranquilo, porque hice explícito algo que siento dentro de mí.

– Apropósito de la situación actual argentina y teniendo en cuenta su canción “Nueva zamba para mi tierra” en la que usted apuesta por el país ¿qué piensa de la decisión de tantos que quieren emigrar en busca de un futuro mejor?
– Escribí esa canción el mismo mes que volví del exilio (durante la última dictadura militar). Mis primeros meses de exiliado en México sentía un gran resentimiento por el país. Después me di cuenta de que el problema no era el país sino los tipos que habían tomado el poder. Decidí que debía escribir una canción sobre esa experiencia en mi país, no a 13 mil km, con la angustia y la bronca de tener que estar lejos. Esta canción es de amor a la tierra, como si fuera una mujer. Y a la distancia te das cuenta del cariño y la pasión que tenés por tu país, tu gente, tus cosas... Porque, en definitiva, la tierra es como tu vieja, un sentimiento natural como el de la madre. Si naciste en un lugar con el que te identificás idiosincráticamente, que lo sentís tuyo y lo querés, pertenecés a ese lugar. Digo, si realmente estás identificado con tu tierra, eso no lo perdés nunca aunque por cuestiones profesionales, económicas, sociales o políticas estés en la China o en Suiza. Y es posible que, a la distancia, te des cuenta de cosas que quizás estando acá no porque, claro, te levantás y ves las colas en los bancos, la insatisfacción de miles de personas y parece que está todo mal. Pero hay otras cosas también que sólo descubrís cuando no las tenés, o sea, lejos. Y repito, el lugar no tiene la culpa.

– ¿Pese a la coyuntura, puede haber un cambio positivo en nuestro país?
– A largo plazo. La cantidad de macanas y de arquetipos en que está montada esta sociedad, sobre todo luego de la última década, es muy fuerte, como también lo es el poder económico y, por momentos, diabólico que impera, ¿no? Creo que hay una salida si se produce efectivamente un cambio, porque encendés la televisión y no pasa nada. Tengo la esperanza, sobre todo por lo que hemos vivido últimamente y que se presenta como un crack, de que ojalá esto sirva para que cada uno, más allá de pensar en sus propios intereses, sea el corralito, la falta de trabajo, la carencia de medicamentos y tantas cosas más, vea las cosas de otra manera, más solidaria, y no tan individualista como se han planteado hasta hoy.

Ciudad nueva, Buenos Aires, n. 420 marzo 2002

Prestigioso riconoscimento cileno al Re del bolero

Con accenni polemici nei confronti degli organizzatori del Festival di Viña del Mar, accusati di non avere saputo rendere un adeguato omaggio a Lucho Gatica, uno dei più famosi cantanti cileni viventi, il ministro degli Interni José Miguel Insulza ha presieduto in marzo alla cerimonia di conferimento dell' Orden al Mérito Gabriela Mistral al "Re del bolero".

Si tratta di una onorificenza che il governo cileno riserva a personalità che abbiano contribuito a diffondere nel mondo la cultura nazionale e porta il nome della poetessa che nel 1945 vinse il Premio Nobel per la Letteratura.

Lucho Gatica, nato nel 1928 nella storica città di Rancagua, nel sud del paese, si distinse per gli apporti innovativi nel genere del bolero, tanto da meritarsi negli anni '50 l'appellativo di "rey del bolero". Riferendosi ai pochi minuti riservatigli nel corso del Festival di Viña del Mar, Insulza ha commentato che, per i suoi meriti artistici, "Lucho merecía un festival para él solo".
Tra le sue canzoni più note  figura il celeberrimo "Bésame mucho".

L'attualità del suo stile è testimoniata dal fatto che le composizioni che lo hanno reso famoso in tutto il mondo sono state recentemente riprese e registrate, sotto la sua supervisione, dal cantante messicano Luis Miguel per la casa discografica Emi Latin.
"Romance", "Segundo romance" e  "Romances", i tre album del cantante messicano, includono
brani resi famosi da Gatica, quali "El reloj", "Contigo en la distancia", "No me platiques", "Historia de un amor", "La barca" e "La puerta". 
Lucho Gatica, che vive in Messico, conta numerosi ed incondizionati ammiratori, tanto che la Emi Latin, che possiede i diritti sulle sue incisioni originali, ha lanciato sul mercato diversi dischi del cantante ed una antologia, "20 éxitos", che riscuotono grande successo a livello internazionale,


Fussible, suoni di frontiera 

Pepe Mogt e Jorge Ruiz hanno recentemente presentato a Los Angeles la loro ultima composizione: "Odyssea", un brano di ritmi elettronici nati dalla fusione di percussioni ed influenze di jazzy-house, già presentato in Europa, dove la Bbc londinese lo sta facendo passare di frequente a Radio 1.

Il duo Fussible, con una esperienza di 15 anni alle spalle, è oriundo della città messicana di
Tijuana, al confine con gli Stati Uniti, ciò che spiega la loro ricerca di nuove sonorità, che nascono dalla tradizione musicale messicana del nord e dalla musica elettronica, la loro vera passione, come ha spiegato Mogt. "Nosotros, aunque hemos vivido todo el tiempo en Tijuana y hemos escuchado esta música desde pequeños, prácticamente la música que nos gusta ha sido la música electrónica [...] Entonces nunca podíamos escapar a la música norteña porque la escuchas en el camión, en el taxi o en la calle. Entonces la idea al principio era fusionar este elemento. Era de: vamos a agarrar esta música y vamos a darle un giro, como cuando reciclas un producto, vamos a retomar ciertos elementos e integrarlos a la música electrónica"

Il duo appartiene anche al gruppo Colectivo Nortec, che si è fatto conoscere con l'album "Milenio" del 1998, riuscendo ad imporsi all'attenzione degli amanti di questo genere musicale solo grazie alla qualità del proprio lavoro, non potendo contare fino a quel momento  sull'appoggio pubblicitario di nessuna casa discografica.
Il due Fussible ha partecipato al recente Festival di Musica Alternativa tenutosi a New York.

Un sindacato per l'hip hop

Il Sindicato Argentino del Hip Hop è un gruppo musicale formato da cinque giovani che da dieci anni si stanno dedicando alla promozione di questo genere, derivato dal rap.

Il termine "sindacato" non ha nulla a che vedere  con la politica, come tengono a precisare i cinque "innovatori", ma vuole sottolineare la necessità di "difendere i diritti" di questo nuovo ed ancora misconosciuto genere musicale.

"Argentina es un país de rock 'n' roll, tuvimos que adaptar instrumentos en vivo".

 I loro sforzi comunque hanno dato frutto. Lo scorso anno, infatti, il gruppo ha ricevuto un premio Grammy latino, dedicato al miglior album di rap o hip hop.

Convinti assertori del pregio della loro musica, i giovani affermano che:"El hip hop es una música muy rica, porque no se encierra solamente en algo [...]Se puede fusionar mucha música en el género sin dejar perder la esencia del hip hop. Puede cambiar todo el tiempo, es una música de avanzada".

La loro tecnica di incisione è quella che l'industria discografica conosce come "sampling", caratterizzata dal fatto che il ritmo di un brano di successo del passato è utilizzato come base per una nuova composizione. Un accorgimento utilizzato ampiamente dagli autori di hip hop di tutto il mondo.

[Stella de Fanzago]

26 aprile 2002

Come per molti suoi connazionali  (ma  non solo per loro) anche per Susana Rinaldi, attrice e cantante argentina, il tango è molto di più di una musica da ballare o ascoltare. 

Nel titolo dell'ultimo spettacolo, presentato alla fine di marzo in Spagna, vi è tutto il suo modo di intendere "il pensiero triste che si balla": "El ayer, el hoy y el todavía: la mujer del tango en la política argentina". 

La "Tana", l'appellativo con cui  è conosciuta la Rinaldi (e che denota la sua origine italiana), ha preparato uno spettacolo che non è solo godimento estetico. Con un repertorio che parte dagli anni '70, fa anche opera di divulgazione, spiegando l'origine e l'evoluzione della musica che ama al punto da voler racchiudere tutta la sua personalità in una sola definizione: "la Tanguera".

Nelle canzoni che ha composto, la Rinaldi rivela tutta la capacità di denuncia sociale del tango, liberandolo dall'aurea di musica adatta a rappresentare solo infelici passioni amorose."Cuando hablo del carácter del tango como instrumento de denuncia es porque nació como tal. En los años 40 y 50 se quiso disimular esto, se dio al tango un carácter mediocre que hablaba solamente de los lamentos de un varón en relación a esa mujer traidora que lo había abandonado." 

Forte di questa convinzione Susana Rinaldi, che tempo addietro si era candidata al Senato, pensa che la musica aiuti a riflettere e che gli artisti abbiano quindi il dovere di aiutare le persone a prendere coscienza su quanto accade loro intorno. Anche delle vecchie eredità del passato, delle quali l'Argentina non si è ancora liberata: il machismo, la corruzione, la violenza sociale e l'autoritarismo politico, tutti mali che, secondo la "tanguera",  "han sido una constante en Argentina".

[Stella de Fanzago]

19 aprile 2002